Resumen El presente artículo explora las descripciones de los diferentes espacios habitados en las letras de canciones del rock latinoamericano. Los músicos de la región describen espacios como la ciudad, las calles, la oficina y el hogar, como elementos literarios que juegan un papel muy importante en las narrativas presentes en sus obras. El estudio demuestra que el espacio influye en gran medida en los sujetos; las canciones analizadas evidencian que esta influencia es negativa. En este sentido, las canciones incluidas en este estudio conforman textos críticos sobre la condición humana, muchas sobre la relación entre estos espacios y los sujetos. El presente artículo emplea el análisis semántico y literario para así poder generar las conclusiones con respecto a los espacios. Palabras claves: Charly García, Soda Stereo, Fito Páez, Caifanes, análisis literario, canción, poesía, música Abstract This article studies the depictions of the different spaces and settings inhabited in the lyrics of the songs of Latin American rock. The musicians from the region describe spaces such as the city, the streets, the office or space for work, and the home as literary elements which play a significant role in the narratives in the songs. This study aims to show that the space influences to a great extent in the subjects, this influence being of negative nature. In this sense, the songs included in this study constitute critical texts about the human condition; many of these focus on the relation between subjects and these spaces. Also, this article uses semantic and literary analysis to draw conclusions about the subject. Keywords: Charly García, Soda Stereo, Fito Páez, Caifanes, literary analysis, song, poetry, music, popular music

Introducción

Al reflexionar sobre las descripciones de los espacios habitados por el ser humano y los elementos del espacio en las letras del rock latinoamericano, se pueden observar varias categorías. Estos espacios se pueden agrupar en canciones que incluyen descripciones de la ciudad, del espacio de trabajo y del hogar. Además, los autores hacen valoraciones de estos espacios en cuanto a su relación y su influencia positiva o negativa en la vida de las personas.

Si se consideran las letras de las canciones de la música vocal como literatura, resulta que estas letras pintan espacios en la mente de los escuchas o los lectores. Algunas letras son narrativas y otras de corte más poético; sin embargo, en todos los casos el espacio constituye un elemento literario presente y analizable.

Resulta casi imposible considerar que se analicen las letras de todas las canciones que se han producido en la historia del rock latinoamericano; sin embargo, existen artistas representativos de dicho estilo musical (si se puede llamar estilo musical al tipo de música creada en una región), que al analizar sus letras se puede observar que utilizan los diferentes espacios, ya sean públicos o privados, como elementos que ayudan a producir el mensaje que quieren transmitir en sus canciones.

Metodología

El presente artículo aplica el análisis literario en las letras de canciones como metodología para el ejercicio académico. En ese sentido, el análisis semiótico del lenguaje será de vital importancia para generar conocimiento y llegar a las conclusiones necesarias con el fin de discutir las temáticas en dichas canciones. Para ello, primero, se llevará a cabo una revisión breve de algunos textos que han profundizado en el rock latinoamericano, para realizar una valoración de lo que se ha escrito con respecto al tema; después, se revisarán algunos temas y conceptos relacionados con el análisis de las letras de canciones y el análisis literario, en específico el análisis del espacio, esto con el fin tener una base teórica sólida para producir un acercamiento adecuado al objeto de estudio.

a) Estado de la cuestión

Al realizar una revisión de textos escritos sobre el rock latinoamericano, se pueden catalogar dichos textos en grupos con características que tienen en común. Un primer grupo lo representan los artículos publicados en revistas musicales; estos constituyen primeros acercamientos a la escritura del tema, carecen de rigurosidad académica, pero forman parte del archivo histórico de lo que se ha creado sobre el tema. La gran mayoría de los artículos encontrados son de revistas como Billboard y hablan sobre bandas específicas, reviews de álbumes, nuevos lanzamientos, reviews de conciertos, entre otros. Otros tratan temas un poco más específicos, como “Are you ready to Rock pesado?” (Burr, 2000), que habla de la popularidad del heavy metal en la región latinoamericana y del surgimiento de bandas latinas en el género; “Women who rock” (Cobo, 2000), que expone el caso de artistas femeninas componiendo rock en la región; o “Waiting For The Next Big Thing” (Bitar, 2001), que discute la situación del rock argentino, su legado, su importancia y sus desafíos a finales del siglo anterior.

Al considerar el idioma, resulta sorprendente el hecho de que gran parte de los artículos relacionados con el rock latinoamericano están en inglés; talvez alrededor de un 50% de los artículos consultados están escritos en esta lengua extranjera, por su parte, cerca del otro 50% están escritos en español. Cabe recalcar que también se han escrito artículos sobre el rock latinoamericano en idioma portugués, como “Acúmulos e Vazios da Pesquisa Sobre o Rock Argentino” de Adrián Pablo Fanjul (2008), el cual presenta los resultados de un estado de la cuestión y análisis de textos que hablan sobre rock latinoamericano en el momento en que el artículo fue escrito.

Con respecto a las temáticas y acercamientos de textos académicos escritos sobre el rock de la región, los artículos consultados se pueden separar en cinco grupos principales. Un primer grupo lo componen acercamientos sociológicos. Por ejemplo, el artículo “Breaking the Mold of Contemporary Working-Class Mexican Masculinity: The Rock Urbano Music of Tex Tex” de Mark Hernández (2008), el cual intenta evidenciar los fenómenos sociológicos como lo son el género y factores económicos y culturales detrás de la música de la banda Tex Tex.

Otro tema que se presenta al estudiar los textos sobre el rock en la región es la relación entre la creación artística e identidad. Pablo Vila (1989), en su artículo “Argentina’s ‘Rock Nacional’: The Struggle for Meaning”, estudia las características musicales y culturales en el rock argentino y la conexión con sus seguidores. Por otro lado, Paola Rodríguez Marino (2002), en su artículo “MTV Latino: Identidad, Nación y Rock”, explora el rol que tuvo el canal MTV en la difusión de la identidad latinoamericana a partir del discurso que rodeó al rock argentino y de la región.

Los análisis históricos representan otro tipo de acercamiento al tratarse de artículos sobre este tipo de música. Por ejemplo, Huberto Delgado (2016) en “Notes on Mexican Rock” presenta un estudio histórico sobre el surgimiento y desarrollo del rock mexicano. Del mismo modo, en “Rock and Roll in Español”, Mark Holston (2003) describe el desarrollo del rock en español como género musical y expone sus inicios, sus influencias, sus características y sus principales expositores.

Uno de los acercamientos más recurrentes en los artículos académicos sobre rock de la región son los estudios culturales. En “La dictadura argentina y el rock: enemigos íntimos”, la autora Mara Favoretto (2014) reflexiona sobre el rock argentino como fenómeno cultural e histórico y su relación complicada con el régimen militar de la dictadura de los años 70, funcionando como medio de crítica y de expresión para las frustraciones sociales. Al igual que Favoretto, Pablo Vila y Paul Cammack (1987), en su artículo “Rock nacional and dictatorship in Argentina”, estudian el denominado “rock nacional” como un medio para la creación de identidad y cómo este sirvió como medio de expresión para los sectores contraculturales de la sociedad argentina, creando sus propios valores, opuestos a los de la dictadura. Valeria Manzano (2014), en su artículo “‘Rock Nacional’ and Revolutionary Politics: The Making of a Youth Culture of Contestation in Argentina, 1966-1976”, reflexiona sobre la importancia social del rock en este país como canal de protesta y cómo este género musical sensibilizó a las generaciones más jóvenes sobre el autoritarismo político.

Continuando con estudios culturales, Mark Holston (1997) en “Rock en espanol”, examina el posible surgimiento del rock en español en los Estados Unidos y cómo la industria de ese país todavía no ha explotado el sonido latino al momento de la escritura del artículo. Por su parte, el libro Rock the Nation: Latin/o Identities and the Latin Rock Diaspora de Roberto Avant-Mier (2010) explora la cultura de la región como un elemento fundamental en el desarrollo del rock latinoamericano como medio de expresión social, político y cultural. Peter Manuel (1987) en “Marxism, nationalism and popular music in revolutionary Cuba” estudia el fenómeno cultural de la música popular en un país no capitalista; explora las actitudes, gustos populares e ideología de la música popular en la sociedad cubana. Finalmente, el artículo “Rock with Punk with Pop with Folklore: Transformations and Renewal in Aterciopelados and Café Tacuba” de Esterrich y Murillo (2000), por un lado, discute la mezcla de géneros musicales tradicionales latinoamericanos con el sonido punk en la música de las bandas Aterciopelados y Café Tacuba y, por otro, analiza las letras de algunas canciones para evidenciar este amalgamiento de influencias.

El estudio lingüístico, semiótico y literario constituye un último acercamiento a los textos sobre el rock latinoamericano. Como ejemplo, Mara Favoretto (2014) escribe dos textos que analizan las letras de canciones. En “Charly Garcia´s allegories as counter-discourse”, la autora explora el uso del lenguaje alegórico en las letras de las canciones de Charly García en referencia a la dictadura de mediados de los años 70 en Argentina. Del mismo modo, en el libro Coded Lyrics: The Poetics of Argentine Rock under Censorship and Beyond, Favoretto (2024) estudia las letras de canciones de rock argentino de la época de la dictadura como medios para expresar el descontento social de la época. Ambos textos evidencian el nivel de conocimiento del rock argentino de las décadas de los 70 y 80 por parte de la autora.

A manera de síntesis, gran parte de los textos escritos sobre el rock latinoamericano representan notas cortas en revistas especializadas de música que discuten detalles de bandas específicas, de géneros de ciertas regiones, detalles de giras, etc.; y como se mencionó anteriormente, carecen de rigurosidad académica, pero representan parte del cuerpo de textos escritos sobre el tema, son un registro histórico de lo que se dijo de las bandas latinoamericanas en sus apogeos. Por otro lado, existe una gran cantidad de textos académicos que se han escrito sobre las bandas y los músicos de la región. Estos artículos presentan diferentes acercamientos académicos para discutir el tema; algunos de ellos son análisis sociales, análisis históricos, estudios culturales y análisis lingüísticos, semánticos y literarios. La gran mayoría de textos académicos son estudios culturales que exploran las disyuntivas históricas y sociales que permearon el desarrollo del rock de las diferentes regiones en América Latina. Cabe recalcar que se ha escrito un considerable cuerpo de textos sobre el rock argentino y su relación tumultuosa con la dictadura de los años 70 en dicho país. Por el contrario, los estudios lingüísticos semánticos y literarios no son tan frecuentes; en ese sentido, las letras de las canciones por lo general no se analizan como textos artísticos que despliegan elementos literarios; la mayoría de artículos académicos utilizan las letras como textos arqueológicos para entender los contextos en los que se desarrolló el rock latinoamericano en las últimas décadas del siglo anterior. En este sentido, el presente estudio propone un acercamiento fresco a las letras de las canciones del rock latinoamericano, y pese a que ya se ha escrito de ellas, un análisis de los espacios habitados presenta una nueva perspectiva de un elemento presente en las canciones, pero al que talvez no se le ha prestado tanta atención.

b) Marco teórico

La literatura se puede definir como un producto artístico que utiliza las palabras como materia prima; dicho de otra manera, arte hecho con palabras, y la oralidad puede constituir un caso de literatura si las personas que crean los textos lo hacen considerando una dimensión estética para estos. En el caso de las letras de las canciones de música popular, estas pueden presentar una dimensión estética, lo cual las acerca más a la poesía que a un simple producto de la industria musical. Existen raperos cuyas letras tienen un corte literario como en el caso de Kendrick Lamar o el proto-rapero/poeta Gil Scott-Heron.

Si se quiere considerar la música vocal como una manifestación literaria, su propio origen viene a respaldar esta aseveración. María Figueredo (2001) establece que “la relación mutua entre la poesía y el canto popular ha existido desde siempre, cambiando según las circunstancias de su recepción” (300). Figueredo se refiere a ese origen común que tienen las artes y que está conectado con el origen de la cultura y la explicación mítica del porqué estamos aquí, cuando los rituales religiosos eran escritos en verso y acompañados de danza y música, parte de una puesta en escena casi teatral. Figueredo cree que lo único que ha cambiado es la percepción que tenemos de esa relación entre la música y la literatura; algunas veces esta ha sido celebrada y otras, negada, pero siempre ha existido. En la actualidad, el auge de los estudios culturales ha logrado que las canciones de artistas y bandas legendarias de rock sean reconocidas como manifestaciones poéticas, como en el caso de las letras de Bob Dylan, Leonard Cohen, Pink Floyd o Joy Division, entre otros.

Al aceptar la relación que existe entre la música y la literatura, y la música vocal como una manifestación literaria, se debe de considerar la escogencia de palabras. Y es que la acertada selección de letras para canciones es vital para generar cierto efecto en la persona que escucha. David Byrne (2017), cantante y letrista de la banda estadounidense Talking Heads (que como dato curioso es un experto en música latinoamericana), establece que la adecuada escogencia de las palabras para una canción resulta en consistencia emocional y un adecuado hilo narrativo en las canciones (218).

Al considerar las letras de las canciones vocales como expresiones artísticas del ámbito literario, se puede afirmar que estas cumplen las funciones básicas de todo arte. Carlos Gutiérrez (2021) establece que uno de los propósitos de la literatura “está marcado por intuiciones, las que apuntan hacia el hecho de que quien escribe lo que hace es, sobre todo, narrar, interpretar aquello que ha elegido al observar una colectividad” (102). Gutiérrez cree que lo que se narra es una interpretación de lo observado dentro de un marco cultural; siendo este uno de los propósitos de la literatura, se expresa sobre lo que se ve, lo que compartimos como sociedad. Con respecto a lo anterior, François Fédier (2018) considera que el arte es un reflejo de la realidad, una realidad tanto cotidiana como extraordinaria, tan cercana a nosotros como lejana, una realidad que delimita nuestra experiencia en esta vida (326).

El célebre Julio Cortázar (2010), en sus Clases de Literatura, afirma que el autor y su obra tienen un deber con respecto a su contexto: “Un escritor latinoamericano responsable tiene el deber elemental de hablar de su propia obra y de la de sus contemporáneos sin separarlas del contexto social e histórico que las fundamenta y les da su más íntima razón de ser” (280). Cortázar cree que una obra literaria representa un momento en la historia y un lugar geográfico, los cuales no deben de ser omitidos a la hora de hablar de literatura; más bien se deben de entender para poder comprender el mensaje de la obra.

La literatura, la poesía y, en este caso, las letras de las canciones se nutren de un contexto con el fin de reflejar las condiciones espaciales, temporales y culturales de este. Este contexto viene muchas veces a inspirar el espacio o escenario dentro de la obra literaria, espacio que viene a cumplir varias funciones dentro del texto. Por ejemplo, Francine Masiello (2003) establece que “la poesía reinventa el mapa. Juega con las estrategias de la traducción, yuxtapone registros verbales distintos, termina reconstruyendo lenguajes a través de los paisajes que nombra” (58). Masiello cree que los paisajes y espacios imaginados en la poesía repercuten de manera directa en el discurso y el lenguaje, por consiguiente, en nuestra manera de entender el mundo; la poesía propone un espacio, y este espacio, al igual que otros elementos literarios, redefine nuestra relación con la realidad. Del mismo modo, Luz Aurora Pimentel (2010) afirma que en la literatura se establece un mundo de interacciones entre los personajes en donde el espacio juega un papel vital con el fin de que dichas interacciones tengan lugar (26).

Finalmente, Enrique López (2020) establece que “la literatura se muestra como fuente de información y de conocimiento geográfico interesante. Las relaciones geografía-literatura han ido confluyendo y enriqueciéndose mutuamente con el paso del tiempo” (2). De acuerdo con López, el escenario literario muestra muchas veces información real de espacio geográfico, lo que expone la relación entre obra, contexto y realidad: la ficción tiene influencia directa con la realidad y esta segunda sirve como contexto para futuros relatos.

Como se observa, el espacio en la literatura tiene una importancia vital no solo dentro del texto, para ayudar a crear narrativas congruentes, sino también fuera del texto, como un espejo contextual en el que los y las autoras establecen una relación entre la realidad y los espacios ficticios creados.

Análisis

a) La ciudad y sus calles

La ciudad representa el primer espacio que se puede observar al analizar las canciones del rock latinoamericano; esta se manifiesta de varias maneras, ya sea a través de las calles, los edificios o los barrios. La ciudad constituye el espacio domado por el ser humano; un espacio artificial que él mismo ha creado para que lo cobije.

Un artista muy importante en la historia del rock latinoamericano que habla en sus letras sobre la ciudad, muchas veces de manera directa, para reflexionar sobre esta, y otras veces como un lienzo para sus narraciones, es Charly García y sus diferentes bandas. La ciudad de Charly García es un espacio hostil con el sujeto, representa una amenaza o es parte de la amenaza de la libertad y la felicidad. Por ejemplo, en la canción “Los dinosaurios” de su disco Clics Modernos, García dice:

Los amigos del barrio pueden desaparecer

los cantores de radio pueden desaparecer

los que están en los diarios pueden desaparecer

la persona que amas puede desaparecer

los que están en el aire pueden desaparecer en el aire

los que están en la calle pueden desaparecer en la calle

Charly ha expresado que muchas de sus canciones son como tangos, y en “Los dinosaurios” se puede observar que uno de los temas recurrentes del tango está presente en sus líneas: el barrio. Sin embargo, en sus canciones, el barrio no es este espacio que añora con nostalgia, sino uno hostil, donde las personas desaparecen. Se sabe que la canción refleja el contexto de la dictadura de Argentina de finales de los años 70 e inicios de los años 80, específicamente las infames desapariciones de disidentes de la dictadura militar. En la primera y en la última línea del fragmento anterior, García establece que los amigos y que la gente que camina por las calles del barrio pueden desaparecer; en este sentido, las calles de la ciudad representan un lugar donde las personas dejan de existir, un lugar de muerte. “Lunes otra vez” de la banda Sui Generis, la primera banda de Charly, dice:

Lunes otra vez

sobre la ciudad

la gente que ves

vive en soledad

sobre el bosque gris

veo morir al sol

que mañana sobre la avenida

nacerá

calles sin color

vestidas de gris

desde mi ventana

veo el verde tapiz

de una plaza que

mañana morirá

y muerto el verde solo hierro crecerá

viejas en la esquina mendigan su pan

en las oficinas muerte en sociedad

todos viejos hoy, sin saber mirar

la espantosa risa de la pálida ciudad

García retrata la ciudad como un espacio contradictorio: se vive en sociedad, se vive en compañía, pero se vive en soledad. Es un espacio gris donde el sol muere, donde lo verde muere y solo quedan el hierro y el concreto, la única actividad que se hace en esta ciudad es trabajar, e irónicamente hay viejas en las esquinas pidiendo, hay trabajo y hay pobreza; en este sentido, el trabajo no constituye una actividad para generar riqueza, sino para mantener al ser humano en soledad. La ciudad es un espacio donde habitan el aislamiento y la pobreza.

Otro artista de una gran importancia, no solo del rock argentino sino también de la música latinoamericana, es Gustavo Cerati y su banda Soda Stereo. En una de sus canciones más emblemáticas, “La ciudad de la furia”, Cerati canta:

Me verás volar

por la ciudad de la furia

donde nadie sabe de mí

y yo soy parte de todos

nada cambiará

con un aviso de curva

en sus caras veo el temor

ya no hay fábulas

en la ciudad de la furia

con la luz del sol

se derriten mis alas

solo encuentro en la oscuridad

lo que me une

con la ciudad de la furia

Cerati escribe la ciudad de la furia basándose en sus fantasías de infancia, cuando creó un superhéroe que salvaba a la sociedad. En esta versión adulta de su fantasía, retrata este superhéroe con alas y que vigila la ciudad de Buenos Aires, pero Cerati no la llama por su nombre, sino que la llama la ciudad de la furia. Este superhéroe puede ver en las caras el temor de la gente que habita esta ciudad llena de cólera; aún más, el superhéroe es más cercano a un antihéroe que a un héroe tradicional. Al final de la última estrofa, este antihéroe afirma que solo encuentra en la oscuridad lo que lo une con la ciudad de la furia; al parecer, este héroe le rehúye a la luz del sol porque derrite sus alas, solo en la noche él tiene poder y es la oscuridad la que le hace bien, una oscuridad que comparte con la ciudad de la furia. Como se puede ver, Soda Stereo pinta otra ciudad hostil, oscura, que genera miedo en sus habitantes.

Otro cantautor argentino que reflexiona sobre la ciudad como espacio habitado es Fito Páez. En “Ciudad de pobres corazones”, Páez describe un hecho personal muy doloroso para él: el asesinato de sus abuelas. Él describe la ciudad de la siguiente manera:

En esta puta ciudad todo se incendia y se va

matan a pobres corazones

matan a pobres corazones

en esta sucia ciudad no hay que seguir ni parar

ciudad de locos corazones

ciudad de locos corazones

no quiero salir a fumar, no quiero salir a la calle con vos

La escogencia de palabras en los versos es muy clara y evidencia el enojo de Páez. El autor describe el lugar como una “puta ciudad” donde todo se incendia, el fuego como un símbolo de destrucción y dolor. La ciudad para Páez es sucia, también, y las personas que la habitan están locas. Este espacio supone un lugar adverso para el autor, quien afirma que no quiere salir a la calle ni a fumar.

b) El trabajo y la oficina

Un espacio asociado con la ciudad constituye la oficina o el lugar de trabajo. Fito Páez versiona la canción “Construcción” de Chico Buarque, la cual describe el lugar de trabajo de un albañil, una construcción. En dicha versión, Páez canta:

Amó aquella vez como si fuese última

besó a su mujer como si fuese última

y a cada hijo suyo cual si fuese el único

y atravesó la calle con su paso tímido

subió la construcción como si fuese máquina

alzó en el balcón cuatro paredes sólidas

ladrillo con ladrillo en un diseño mágico

sus ojos embotados de cemento y lágrimas

sentose a descansar como si fuese sábado

comió su pan con queso cual si fuese príncipe

bebió y sollozó como si fuese un náufrago

danzó y se rio como si oyese música

y tropezó en el cielo con su paso alcohólico

y flotó por el aire cual si fuese un pájaro

y terminó en el suelo como un bulto flácido

y agonizó en el medio del paseo público

murió a contramano entorpeciendo el tránsito

Buarque y Páez nos muestran la historia de un constructor que se dirige a la obra de construcción y que por un error tropieza estando arriba, cae y muere. Es interesante cómo en la primera estrofa se menciona que el constructor “subió a la construcción como si fuese máquina”; este sujeto es un agente creador de ciudad, construye edificios; sin embargo, las líneas lo muestran como una máquina la cual es definida solo por la tarea que ejerce, en este caso, construir; por consiguiente, el trabajo deshumaniza al ser humano. Aún más, en la última estrofa el yo lírico explica que el sujeto al caer del edificio en media calle entorpeció el tránsito, lo cual también demuestra el nivel de deshumanización de las personas que habitan la ciudad, ya que a estas no les importa que haya muerto un ser humano, lo que les importa es que se encuentran atrapadas en el tráfico que creó dicha muerte.

La banda mexicana Kinky también reflexiona sobre el trabajo en la ciudad y la influencia que tiene este en el ser humano. En su canción “Minotauro”, exploran el concepto de la oficina, lugar de trabajo tradicionalmente asociado con la ciudad:

Así que te repito que tu madre

se fue con tu padre

un toro grande con un par de cuernos

y pezuñas galopantes

un toro grande se fue con tu madre

se fueron a esconder a aquel establo

hicieron de las suyas un momento

y te concibieron luego

y tú te llamas minotauro

y mereces el encierro

tu casa es este laberinto largo

del que no hay ningún regreso

las paredes son largas y de piedra

no intentes escapar por algún lado

tu cabeza es de toro no pretendas

pensar que tú eres humano

así que te repito que tu madre

se fue con tu padre

un hombre empleado

con un par de adeudos

y otras más cuentas restantes

un hombre empleado

se fue con tu madre

rentaron un hotel de esos de paso

hicieron de las suyas un momento

y te concibieron luego

y tú te llamas ciudadano

y mereces el encierro

tu casa es este cubículo blanco

del que no hay ningún ascenso

las paredes son chicas de madera

el computador es tu laberinto

tu molde ya está hecho

no pretendas pensar que eres minotauro

La canción tiene dos partes principales: la historia del minotauro, cómo es concebido y, por su naturaleza fantástica, es condenado a vivir en un laberinto. Kinky dice que el sueño de un minotauro es ser un humano y ser libre. La segunda parte de la canción presenta la historia del ciudadano, de cómo fue concebido en un hotel de paso, y su castigo por existir es estar encerrado en el cubículo, donde es imposible ascender a un mejor puesto de trabajo, cuyo laberinto es la computadora. Kinky termina la reflexión de manera irónica, estableciendo que el sueño del ciudadano es ser minotauro, lo cual sugiere que ante los ojos del yo lírico hasta un minotauro encerrado en su laberinto es más libre que el ciudadano encerrado en la oficina.

c) Los animales: los habitantes de las calles

Además de las personas que habitan la ciudad, este espacio es compartido con animales muy representativos de esta, animales que nos acompañan en nuestra experiencia cotidiana, como los perros y los gatos. La banda mexicana Caifanes hace referencia a estos animales en varias de sus canciones. Saúl Hernández, letrista principal y cantante de la banda, nos dice en la canción “Cuéntame tu vida”:

Veo perros que se arrastran a ladrar

me acuesto en el suelo y me dan ganas de morder

esa angustia de tener seco el corazón

cuéntame algo que si no voy a enloquecer

En esta canción, la imagen de los perros representa la deshumanización del ser humano; el yo lírico ve a los perros ladrando y arrastrándose e imita su comportamiento, se arrastra por el suelo y muerde; el ser humano con el corazón seco se vuelve agresivo como un perro. En la canción “De noche todos los gatos son pardos”, Hernández canta:

Hay perros que no ladran

Pero te lamen los huesos

Hay gatos que maúllan

Hasta exprimir su vientre

Hay gente que no ladra

Pero te exprime el alma

Hay gente que te odia

Pero te lame las manos

Así

El autor utiliza estas dos estrofas con imágenes similares para crear conexiones semánticas entre los perros, los gatos y los seres humanos con conductas negativas. En los dos primeros versos de la segunda estrofa los seres humanos son comparados con los perros que no ladran pero que exprimen el alma. Por su parte, en los versos tres y cuatro de la segunda estrofa, los seres humanos son presentados como hipócritas que odian, pero que lamen manos al mismo tiempo, como los perros en la primera estrofa. Hernández muestra su actitud con respecto a cierto tipo de personas al crear la conexión entre rasgos negativos y las conductas de animales que comparten el espacio con los seres humanos.

d) El hogar: el espacio privado

Algunas canciones de rock latinoamericano nos muestran espacios privados, una casa o un apartamento, cualquier lugar donde las personas realizan sus actividades domésticas. Resulta interesante observar cómo el espacio privado en algunos casos se asocia con el secreto. Sui Generis escribe una canción llamada “Mr. Jones o pequeña semblanza de una familia tipo americana” en la que se relata un asesinato:

Mr. Jones abrió la puerta

vio a su madre recién muerta

y la sangre del chaleco se limpió

guardó a su madre en el ropero

le puso más leña al fuego

el invierno muy crudo se avecinó

llamó a su esposa y le dijo:

mamá está muerta en el ropero

por supuesto si yo la asesiné

ella puso mal la mesa

le hundí un hacha en la cabeza

y la sangre el tapizado me manchó

¡ay qué pena nena!

La canción cuenta la historia de una familia en la que la madre mata a su suegra. Todo esto sucede en un ambiente doméstico, la madre mata a la adulta mayor porque puso mal los platos en la mesa. Llama la atención cómo el esposo, Míster Jones, al enterarse del crimen, decide esconder el cadáver en el ropero, haciendo referencia a lo secreto, ya que las cosas guardadas en el ropero son cosas que no se pueden ver, pero que están ahí. En este sentido, cualquier violación de las leyes sociales, por más tabú que sea, puede ser escondida en los vericuetos del hogar, en el espacio privado.

Otra canción que reflexiona sobre el hogar y la privacidad en el rock latinoamericano es “Persiana americana” de Soda Stereo:

Estamos al borde de la cornisa

casi a punto de caer

no sientes miedo

sigues sonriendo

sé que te excita pensar

hasta dónde llegaré

es difícil de creer

creo que nunca lo podré saber

solo así yo te veré

a través de mi persiana americana

tus ropas caen lentamente

soy un espía, un espectador

y el ventilador desgarrándote

sé que te excita pensar hasta dónde llegaré

es difícil de creer

creo que nunca lo podré saber

solo así yo te veré

a través de mi persiana americana

La canción describe lo que parecieran ser prácticas sexuales alternativas, como el voyerismo, el sadismo y el masoquismo. Cerati crea una relación entre estas prácticas y el hogar. Por ejemplo, el yo lírico dice que es difícil saber cuál es el límite, pero que verá a la persona objeto del deseo a través de la persiana americana, una referencia a no ser visto cuando se observa, a voyerismo: “es difícil de creer / creo que nunca lo podré saber /solo así yo te veré / a través de mi persiana americana”. Aún más, el mismo sujeto afirma en la tercera estrofa que el ventilador desgarra a la persona deseada y esto la excita, lo que sería una referencia al sadismo y al masoquismo. Resulta curioso observar en estas líneas cómo Cerati, al escribir esta letra, utiliza la metáfora de la casa y sus partes, como la cornisa y la ventana, para hablar de algo que se da en el ámbito privado, la sexualidad, pero en este caso para remitir a prácticas sexuales alternativas. En este sentido, una metáfora muy interesante que representa los límites de la sexualidad del yo lírico es “estamos al borde de la cornisa / casi a punto de caer (...) sé que te excita pensar / hasta dónde llegaré.” Estas líneas hacen referencia a cómo el límite físico del hogar, representado por la cornisa, constituye el límite de la sexualidad o hasta dónde se puede llegar. Esta sexualidad alternativa se ejerce dentro del hogar, no fuera, en el ámbito privado.

Pareciera que la privacidad que el hogar implica tiene una relación con temas tabú; la canción “Olor a gas”, de la banda chilena Los Tres, hace referencia a otro de estos temas socialmente estigmatizados:

En la cocina había olor a gas

ya no cuenta ovejas, hoy duerme en paz

busco mi camisa a tientas, voy a desfilar

planchada y de fiesta, hay olor a gas

olor a una carne

mantel y sal

es semana santa

sol celestial

sin sábanas

sin un colchón

duerme tranquilo como un lirón

seco el corazón

Prácticas normales del ámbito doméstico como cocinar o dormir se ven distorsionadas en esta letra al utilizarse como referencia al suicidio. “Olor a gas” describe una escena en la que una persona se ha quitado la vida. Por un lado, está la cocina donde huele a gas, ya que posiblemente esta persona utilizó la asfixia como método fulminante. Se hace referencia a esta actividad cotidiana, pero de nuevo con el fin de describir cómo una persona se quita la vida. Por su parte, la tercera estrofa menciona dormir sin sábanas, ni colchón, dormir con el corazón seco, muerto. Una vez más, el yo lírico nos muestra una actividad del ámbito doméstico, como lo es dormir o tomar una siesta, pero que cambia su sentido semántico de manera radical al utilizarlo como referencia a la muerte. De esta forma, la canción de Los Tres supone otra referencia al hogar y su relación con temas socialmente estigmatizados, que se pueden llevar a cabo por la privacidad que el hogar brinda a las personas.

Conclusiones

El espacio da forma a la experiencia humana. En la literatura, este elemento resulta esencial para crear una narrativa o un texto coherente. El escenario influye en las acciones, en lo dicho y lo no dicho de los personajes. La influencia del espacio que nos rodea, de las ciudades, de las calles y de los muros que hemos construido juega un papel vital en nuestra experiencia cotidiana.

De esta manera, los espacios que se establecen en los versos de las canciones del rock latinoamericano tienen una influencia directa en el mensaje que se quiere dar y en las ideas que se quieren comunicar. La ciudad, la oficina y la casa representan el lienzo en el que se van a palpar las narrativas o los sentimientos que los roqueros de la región tienen por tarea cantar.

Una revisión de los textos escritos sobre rock latinoamericano demuestra la pertinencia de este breve estudio cuyo acercamiento de análisis semántico y literario viene a presentar una perspectiva no tan explorada en el nivel académico.

Se formularon categorías de los espacios que se describen en las canciones para poder agruparlas y así evidenciar las similitudes semánticas. Algunas canciones hablan sobre la ciudad, la cual se presenta como un espacio mezquino y hostil para las personas; un lugar de muerte, de tristeza y de frustración. Resulta irónico que las ciudades son espacios compartidos en los que viven miles de personas y, sin embargo, esas personas viven en soledad, levantando el peso muerto de la vida en la ciudad.

Por su parte, la oficina o el lugar de trabajo se muestra en las canciones como un espacio de esclavitud, aislamiento, frustración e inclusive de muerte. El ciudadano está atrapado en su trabajo, está encerrado en su oficina, la cual muchas veces es un laberinto del que no puede escapar.

El panorama no es muy diferente a la hora de describir los animales que acompañan al ser humano en los espacios que este habita. Los artistas utilizan metáforas de animales como los perros y los gatos, animales domésticos, para expresar sentimientos e ideas, la gran mayoría de veces, negativos.

Por último, al analizar el hogar como un espacio más, habitable en las canciones, se observa que este se relaciona directamente con la privacidad, pero además con el secreto. Esas canciones muestran el hogar como el lugar donde suceden actos que se deben de mantener en secreto, ya sea ejercer una sexualidad alternativa, llevar a cabo un asesinato, o tratar un tema tabú como el suicidio. Todos estos actos socialmente censurables se ejercen dentro de los confines y la privacidad del hogar.

En síntesis, los espacios descritos en las canciones de rock de la región latinoamericana tienen una influencia negativa en las personas, son espacios asociados con muerte, con falta de libertad, con frustración y sufrimiento; son espacios que no invitan a ser habitados pero que paradójicamente son el escenario para estas historias que se cuentan en las canciones, y si el espacio define la experiencia humana, estos escenarios creados por el ser humano propician una experiencia negativa y deshumanizada.

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